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很荣幸和李安活在同一个时代,标准的大讨论

2019-09-24 22:40

今天,我在朋友的邀约下终于得以走进电影院一睹李安导演的这部新作。不过很遗憾的是我只能看到最低规格的《比利·林恩的中场故事》,但是通过这次观影,我觉得我已经依稀能够感觉到最高规格版的《比利·林恩》是什么模样。
       对我而言,这是一部史无前例的电影。它不是在讲述一个故事,而是在描绘一个人,塑造一个如你我一样普通的人。在这一点上,我觉得李安无疑已经成功了。这部电影创造了一扇前所未有的门,让我们得以进入一个人的人生,他的情感,他的思想。即使是在最低规格中,我们依然能够感受到那种令人震撼的真实感,真实到让这部电影都不像是一部电影,也使得比利·林恩不再是电影里虚构的人物,而成为一个真实存在于我们眼前的人。我觉得,这也就是李安追求极致的技术的原因,或者说必然性,因为只有这样的技术才能够带来足够的真实感,带给我们影史上最真实的一次接吻。
       或许,这也是影史上第一次把凡人的故事,普通得不能再普通的情思搬上银幕,几乎不带一点戏剧性和文学色彩。这也就成了,很多人抱怨这部电影极其平淡的剧情,的原因。但它令人无法抗拒的魅力也正是在此,我们能没有防备地无限贴近比利·林恩,真正地了解他、理解他。因此从传统意义上,这是一部平庸的电影;但是从新的层面,它已经超越了电影本身的意义。
       从构图、景深上看,这部电影的镜头确实和以前的2D电影、3D电影都是不一样的,它有很好的立体感,但是让你不会察觉到,因为它的立体感是纯粹为了真实感而服务的。因此,如果李安已经拍摄出了他认为这部电影应该有的样子,那么我们可以想象到最高规格的比利·林恩应该是什么样子的,只要我们愿意抛弃原先对电影画面固有的认识。这种想象得以实现,是因为《比利·林恩》身临其境的效果不仅仅是通过数字技术实现的,更是通过李安卓越的电影技术来实现的。
      在主题上,李安依然没有脱离他的永恒基调:Everyone has his/her own destiny。而我体会最深的还是,这部电影展现出的一个人的孤独,或者一群人的孤独。比利·林恩无法被周遭的人理解,只能回到他的『home』里去,即使这个『home』是一场战争。但是那是他的『home』,是人生的归宿,或者说人生一个阶段的归宿。而即使是家人都无法理解比利,这个『home』自然已不是形式意义上的家。比利·林恩和他的队友在美国的土地上是那么格格不入,被人们拒绝;人们喜欢的只是他们的故事,只是人们脑海中他们的英雄形象,而不是他们人本身。人们不理解他们,也无法理解他们,所以比利·林恩不断地从现实中出戏,回到他的记忆里去。
        电影没有什么戏剧性的冲突去表达这种孤独,甚至可能也没有想去表达它;但当这样一个故事以这样的方式被摆上来,那种孤独感就会不自主地在我们这些观众心中萌发,因为这种和周遭的人、周遭事物的距离感是真实的,也无法被克服,无论在电影里还是在现实中。无数次,电影的视角对准了比利·林恩略显落寞的背影,我们就像站在他背后,眼看着他沉默,眼看着他陷入深思。最后电影定格在了比利·林恩的背影和他的队友们那副构图完美的画面上,仿佛导演通过那种景深关系告诉了我们,他的队友又何曾理解比利呢?
      是啊,在现实中,我们都没能这样去了解别人,去理解自己的朋友、自己的家人、自己的恋人,但是电影给我们这样的机会。就像电影末尾比利所说,人们看到的他们的故事和他们经历的一切是不一样 。甚至于,我觉得电影中『拍电影』的插曲也有一点导演自己的私心,他通过比利似乎也在说:做电影的李安做的电影和我们理解的电影也是不一样的。我们每个人都注定是孤独的,什么又是我们各自的归宿?
      我们从来不曾如此接近一个人,无限地接近一个人,感谢李安大师给我们这次机会。我很荣幸能够和李安活在同一个时代。

© 本文版权归作者  酒绾卿  所有,任何形式转载请联系作者。

豆瓣ID陆支羽在短评中说道:“场秀的本质就是虚有其表的商业造势,新技术恰恰符合了这种故事设定,对人性的极致放大。”然而通过李安本人在与冯小刚对话的那场访谈中所讲的内容,他使用新技术拍摄这个故事的初心并不在此。他说:“拍军人面对中场秀,他眼光里看到什么东西、在脑子里面思索什么,这个东西拍电影不太容易上手,而且这个思索不是一个19岁男孩,没有那么单纯,而是一个中年知识分子锐利的观察,这个东西在影像上看不到,所以我想用一个新的题材,包括对电影的探索、还有媒体本身的这种质感,所以我就拍了。原来从60帧开始研究,当超过60帧开始往120帧走的时候,我觉得像是上战场了。”可见,李安是希望通过新技术来完成一次视角的转换,他希望这个电影能充分表现出19岁男孩全部的敏感,无论是残酷的战争、流失的生命、得不到理解还是绚烂如梦的中场秀,他希望我们能在《比利·林恩的中场战事》中充当一次比利·林恩本人,去感受他能感受他的一切。至于是否是虚假的商业造势,这是每一个比利·林恩在完成了观影之旅之后形成的自我文本解读,在一部分眼中,这场活动可能是徒有其表的爱国秀;而在另一部分人的眼里,这可能又是一次梦幻到极致的英雄之旅。

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李安电影革新的另一个新纪元 ——评电影《比利·林恩的中场战事》 电影从黑白到彩色,从胶片到数字,甚至2D到3D再到IMAX,现在是从24帧到120帧,电影技术每次经历的重大变革,都将会重新定义电影的审美体系和观众的感官体验。那么李安导演的这部历史上第一部以120帧拍摄的电影《比利·林恩的中场战事》无疑是一个新电影维度的入口。对于这部电影李安导演说:“我现在用的最高规格,到将来可能只是最低要求了。” 从电影的视觉效果来看,这部电影所带给观众的感触其实不能用惊艳来形容,当大银幕出现第一个镜头,比利·林恩伸手去拿床边的手机的时候,全场不由自主发出惊呼,观众似乎就在比利的床前见证了这一幕,屏幕前的观众甚至可以看清银幕人脸上的毛孔和绒毛,瞳孔里的血丝和嘴角细微的颤动,因为害羞而发红的脸。而在伊拉克战场上,我们更像一个亲临者,影片剔除了战争场面那种常有的模糊不清一片慌乱的状况,而是一反常态的平稳,一反常态的清晰。在杂乱的、快速运动的场景中,战争场面的真实感变得触手可及,比如在比利徒手搏斗杀死敌人的那段,他趴在圣战徒身上把尖刀插入对方的咽喉之中,他或许深深记住了那双充满了痛苦和仇恨的双眼,比利大声的喘气声让观众连呼吸声都分不清是自己的还是银幕上的,我以为,李安导演所追求的恰恰是在这清晰精确到使人产生距离感的短暂的几分钟里,在这一段水泥管中,两个人撕扯扭打的过程看得清清楚楚的情形下,让观众隔着这荒谬的距离感来体验心理上最大的冲击,不是有距离感,而是有冲击感。而我觉得自己不是在看电影,我就是眼睁睁的目睹了一场生与死的搏斗,尤其搏斗的两个人面部表情逐渐的变化,我觉得我这辈子大概也难以忘却,如此冷酷地赤裸裸地展示的生和死一步之遥的距离。 从技术上来看,导演对于电影技术的使用,没有呈现令人叹为观止的大景观,也没有飞檐走壁惊险刺激的动作,技术在电影的体现并不是一场《阿凡达》或是《速度与激情》,从技术角度来说,3D代表更接近真实的景深,有代入感的空间距离,更有身临其境的幻觉。如果说3D电影让观众透过一扇窗看世界,那么120帧就是直接把这个窗户上的玻璃拿掉,让观众与电影世界中的人物之间仿佛眼前没有屏幕了,所有人都被拉入电影场景里,仿佛只要一伸手就能摸到比利的脸颊,跟着比利去体验他的遭遇,他内心微妙的变化。本片不同于其他技术型导演用大场面打造奇幻的虚拟世界,李安导演则是要用高科技营造最细微、亲密的真实幻境。总之,我个人认为这是一种非常写实的美感。李安导演还是那个在人物中表露情感,故事中构筑人文的李安,至少在这部电影里他没有期望透过技术去构筑一个惊艳的世界。影片讲述的是关于一个男孩成长的故事,他如何逐渐地理解他的生命,然后做出怎样的选择,成为什么样的人,这是非常共通的东西,而我个人认为这是李安导演他本人对电影的认知,李安导演说他的这部电影可能会不是那么受欢迎,但他说“不喜欢这个电影没关系,你们可以骂我,不要去骂这个技术,技术是无辜的。” 我个人认为,相较于电影技术的突破,技术的体现在电影中真正做到了成为艺术的辅佐,令观众走进了一个美国普通士兵的世界。电影在故事上相较于《少年派的奇幻漂流》来说看似非常简单,就是一个19岁的美国大兵比利·林恩在伊拉克战争中表现英勇,成为了美国英雄的代表后,被邀请在感恩节橄榄球赛中场时亮相发生的一系列故事。我觉得最让我心酸的事就是在橄榄球赛场上,那些保卫国家的英雄受到保安的挑衅,球队老板的轻视,所以比利对只肯出五千五百美金的球队老板说,“你还不如那些圣战徒懂得尊敬。”那些圣战者至少还是以命相搏,但这个衣着体面的富人,不过给出了打发乞丐的价码,就企图买断这几个战士的叙述权。从某种意义上说,这群现实中的人们更危险,口口声声说着无论怎样都会支持军人,讽刺的是,在这个老板眼中,这些保卫国家的英雄就只值五千五百美金。当你真正沉浸于这个故事中,其实不难发现电影所构筑的核心并非是反战,而是一个年轻人他在经历战争后的成长与选择,透过电影技术所达到的人物带入感与克制内敛的叙事中细腻的情感把控,影片中被塑造成英雄的比利·林恩,在他的风光无限下,孤独也成为了最为动情的内在,比如比利·林恩说:“有人来表扬你这辈子最惨的一天”。他成为英雄是因为救班长与敌人近身肉搏,终于把敌人杀了,却眼睁的看着这个对他照顾有加的班长离开了人世,于是他有些开始质疑自己是否要回到军营,电影真正令人走进了他的心灵世界,反英雄主义的人文关怀在李安的这部电影中是如此的耐人寻味。   《比利·林恩的中场战事》或许并不是李安最好的佳作,但我个人所见,却是他最为敢于创新,并将技术与艺术融合,视觉与人物心理高度统一的佳作,这部电影真的做到了让观众:“身临其境,心感其情。”而李安导演的新作也将可能开创未来影史的新纪元。  [/cp]

既是希望能用新技术来呈现角色本身的感受,那么李安显然是希望新技术能带来更多的真实感,希望能最大化具象了我们能看到的一切,最大化的想象我们将会看到的一切。他希望观众与“比利·林恩”之间是没有距离的。然而在电影语言上,李安又没有完全遵循巴赞所推崇的完全忠于现实的反蒙太奇、多长镜头和克制的剪辑来表达这种真实感——对话场面中过多的跳切、突然的转场、战争场面和歌舞场面的重叠与融合等等手法,又在用力地把观众推得更远。这种奇妙的拉扯感贯穿了观影的全过程。


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亚里士多德在《诗学》第九章“诗的真实与历史的真实”(poetic truth and historical truth)中说:“诗人的职责不在于描述现实中已发生的事(what hasactually happened ,实际上已发生的事), 而在于描述可能发生的事(the kinds of thing that might happen),亦即在某种情况下有可能发生或必然发生的事。”李安,于我心中,一直是诗人一样的导演。此次,他用他一贯的细腻加上了巨大的勇气,带给观众一次颠覆的体验。无论成败,此心可鉴,此情可鉴,我相信电影会很成功,而关于技术功和过的讨论,仅凭一部电影就讲结论的话为时尚早,不妨留待时间去慢慢证实。

德小科
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观影的过程当中,我和大多数观众一样,最初会感到非常的不适。我赞叹于整个电影的极致清晰和流畅,特别是几个画面中出现了一些小飞虫,它们敏捷的身影在银幕上都能完全辨认到,灵巧的穿梭让人赞叹这个电影所建构的无与伦比视觉层次。然而眩晕,则是由3D大景深带来的——被聚焦的角色让人觉得无比真实,而背景的虚焦是非常严重的,两者拉开了巨大的对比。在一些正反打的大特写里,银幕上的焦点在不停的跳转,观众会感觉自己如同戴了度数不合适的眼镜,被这种超过现实的大景深所折磨。

4K是指电影的清晰度,而120帧和24帧之间的差别是流畅度,这里首先存在的一个问题就是:清晰和流畅是否可以等同于“真实”?这是一个非常有趣的问题,如果从日常生活经验来探讨的话,清晰和流畅方便了人去利用感官辨认,如果可以被直接辨认的话,那更像是“现实”,而“现实”和“真实”之间,还存在着哲学上的差距。当所有人被萤幕上比利的蓝色瞳孔细腻的倒影所震撼时,我们在高解析度和超流畅的画面中,获得了尽可能接近真实生活中的视觉感受,事实上那是一种非常低层次的、感官上的对“现实”的映射。

作为世界上第一部使用120帧拍摄的电影,它引领新技术的意为本身比影片的内容更抢眼。看完之后,许多影评在称赞电影“非常真实”“令人震撼”,然而这里面存在着一个二律背反的问题——究竟基于3D/4K/120帧技术拍摄的《比利·林恩的中场战事》,是更真实的还是更虚拟的?这值得认真思索。

一刷结束了李安的新片,在广州这个中国目前最好的二线城市里,我还是有幸看到了3D×2K×60帧版本。鉴于大陆120帧资源的稀缺,60帧的版本普通观众可能更容易接触到,李安本人也说过60帧版本的“电影性”更强,因此以这个版本为根基来写评论可能代表性要比120帧更好一些——当然,我也承认,从60帧与120帧之间的差别如果没有看过,也是很难想象的,比如我一度以为我看的这个60帧的版本已经是4K了,没想到只有2K,我觉得我已经无法再构想画面还能如何“更清晰”。

它是“真实”的吗?当人物都变得无比具体生动,连睫毛的颤动都可以被无限的识别时,我们下意识都会认为,影像中的人物已经从“角色”的符号中脱离,开始有充满血肉的“人物”的概念——这个概念带给观众的,是对演员身份的思索和判别,“他究竟是比利本人,还是他在扮演比利?”。这也就是为什么很多人提到,新技术下对演员的表演要求极高,稍微戏剧化的表情和动作,都会被马上识别,然后就与剧情产生了脱离感。在电影中,许多幕有了明显的“布景感”,比如说LYNN与大Boss讨论影片改编问题时候所处的那个空间,灯光和摆设都显得刻意。由于电影无法实现完全真实的外景,大部分的棚内置景和布光与现实的差距,从原来的难以区分变得容易察觉。这些实实在在的细节,不断在提醒着观众这是表演、这是人为的而非发生的,这样的暗示就打破了技术一直想要传达的现实感。因此会有人评论说,电影看起来就像是一部舞台剧或者是HDTV电视节目。它一方面希望通过更清晰、更流畅的技术让影片中的一切不断的接近现实,另一方面它又在不断露出“马脚”让观众从导演所建构的“现实”中脱离出来,识别出它的“虚构”成分。

朱光潜在《艺术和实际人生的距离》中写到:“艺术须与实际人生有距离,所以艺术与极端的写实主义不相容。写实主义的理想在妙肖人生和自然,但是艺术如果真正做到妙肖人生和自然的境界,总不免把观者引回到实际人生,使他的注意力旁迁于种种无关美感的问题,不能专心致志地欣赏形象本身的美。”我们看到,李安这次所做的尝试,就是把艺术和人之间的距离缩小了一大步,他在勇敢地探索这个“底线”在何方。这是一个微妙的平衡。可以看到,在这第一次的尝试中,李安努力得非常辛苦,尽管他希望用技术更好的为主题服务,可对于更多的观众来说,过于崭新的视觉效果干扰了人们对于影片内容的关注,陪我一起观影的小伙伴在影片进行到20分钟左右的时候甚至还不清楚电影究竟在讲一个什么故事……这对于一向以内容的细腻而取胜的李安来说,实在是一个不小的损失。

日常生活中,如果人眼一旦聚焦在一个地方,我们很难注意到周围视野模糊程度究竟是如何。但电影不同,导演无法强迫观众目光的焦点和摄影机的焦点是一致的,同一个画面中,观众的眼睛其实是在任意捕捉信息的。阿恩海姆在《艺术与视知觉》中说:“视觉是一种积极的探索,它是有高度选择性的。”这种积极的探索使得电影语言在安排的时候,需要更多的考量,组织好镜头里出现的一切内容,否则就会让人们在注意力和视觉转移的时候感觉到不适。

这不禁让人们思考:电影发展的未来是“更清晰、更流畅”吗?换而言之,《比利·林恩的中场战事》所带来的实验,真的是未来电影发展所要瞄准的方向吗?电影作为一种艺术,它本身的艺术性是非常复杂的。巴赞和他的“木乃伊情节”(Mummy Complex)坚持电影的艺术性在于真实性,而让·米特里和亨·阿杰尔坚持电影的艺术性在于它的虚构性,瓦尔特·本雅明在《机械复制时代的艺术品》当中提到的“震惊”的概念也被融入了电影艺术性的构成当中。而就我个人观感而言,李安此部《比利·林恩的中场战事》只能作为一部实验性的、先河性的尝试,它提供了某种可能,但绝不是唯一的可能。在3D/4K/120帧技术带来了无与伦比的“震惊”之后,它留给我们对于“真实”和“虚构”的考量远远没有停止,而这种技术背景下的电影语言和叙述技巧的编排,更是需要更多的实践和摸索。

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